[EXPO] Mes femmes iconiques s'exposent à la 8ème biennale des arts contemporains de Champagne sur Seine du 13 au 27 novembre

Il y a presque un an, je vous présentais pour la première fois ma série "femmes iconiques" issues de mon challenge photo quotidien. Ces créations d'œuvres de #streetart mélangent photographies de tags, graffitis et affiches décollées ou effacées dans les rues de Paris ! Cette série a déjà un beau succès mais, à la demande insistante du jury, j'expose pour la première fois quelques tirages d'art, à Champagne sur Seine, dès ce week-end, pour la 8ème biennale d'art contemporain. 

Pour accompagner cette annonce, voici 6 nouvelles œuvres qui n'y sont pas exposées mais qui sont aussi à vendre en édition limitée à 30 exemplaires suivant les conditions que vous trouverez sur ma page "tarifs". Et pour les accros des appli smartphone et tablettes, elles sont désormais visibles sur l'appli Artplay.io

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Street Art Tour sur la Butte Montmartre à recherche de 24 grands artistes d'aujourd'hui

Comme vous le savez très certainement , le jeudi, sur mes réseaux sociaux, c’est le jour de publication de mes dernières œuvres de street art. Oui, je sais, je vois de l’art partout ! Dans un vieux portail rouillé, sur un poteau de béton en travaux, sur un vieux mur rongé par le temps, ou dans les décollages d’affiches de street marketing. A priori, il n’y a aucune intention artistique au départ de ces création et j’ai déjà évoqué ma démarche à leur sujet. Dans cet article (trop longuement peut-être) j’évoquais notamment la définition du street art, comment photographier ces œuvres mais aussi de très importantes notions de droits notamment sur la protection des œuvres. Si la mémoire du street art et de ses créations au caractère naturellement éphémère a toujours été assurée par la photographie, il est pour moi hors de question de les exploiter au détriment de leurs véritables auteurs. En voici quelques-unes croisées dans les rues de Paris et notamment dans l’un des quartiers les plus artistiques de la capitale : la Butte Montmartre. Donc, si comme moi vous aimez leurs travaux, photographiez et faites connaître leurs créations. Voilà 24 comptes Instagram à suivre !

Juliette Bart est une artiste locale qui rend aussi hommage à son quartier

On passe souvent devant ces œuvres sans prendre le temps de les observer, de les photographier et d'en chercher l'auteur. Cette fois je l'ai fait et vous propose de suivre quelques des artistes qui comptent ou vont compter.

On peut donc aborder la photographie des œuvres de street art avec une démarche s'approchant tour à tour de la photographie d'architecture, de la photographie de rue ou encore du reportage sociétal mais pour ma part, je m’interdis, par respect des autres artistes, d’exploiter commercialement leurs œuvres en vendant des photographies qui n’en seraient que de banales reproductions ! D’ailleurs, je le répète, même réalisées illégalement sur les murs, ces œuvres sont protégées par la Loi et certains artistes de rue suffisamment célèbres n’hésiteraient sans doute pas à faire valoir leurs droits... (si mon dernier article sur le sujet ne vous a pas convaincu, lisez celui de Joëlle, la spécialiste juridique de l'image et photographe.) 

S’il y a bien une chose qui caractérise Montmartre, en dehors du Sacré Cœur et de ses 38 escaliers, ce sont bien les artistes ! La Butte est sans doute le quartier de Paris qui en abrite le plus, depuis le milieu du XIXe à commencer par les célèbres peintres de la place du Tertre. En y montant, vous croiserez obligatoirement de nombreuses œuvres contemporaines et d’artistes locaux dont certains ont beaucoup de succès. Je vous propose ici quelques images sans autres prétentions que de vous présenter leurs travaux. Dans certains cas, j'ai passé plus de temps à nettoyer ces photographies des tags et autres inscriptions qu'à les prendre, donc soyez sympas, quand vous croisez une de ces œuvres, respectez-là ! Je vais vous donner quelques uns de mes coups de cœurs dont les liens renvoient à leur profils Instagram.

Les portraits de SWED

Les fresques de Juliette Bart

Les portraits de Aydar

Je ne peux vous citer tous les artistes qui œuvrent ou ont œuvré sur ces murs. Parmi les stars de street art, il y a bien entendu nos célèbres Miss Tic, Swed Oner, Joachim Romain (celui des salles d'escalade d'Arkose) ou Jo Dibona par exemple mais vous en connaissez bien d'autres ! Citons par exemple, Space invader et ses carreaux de mosaïques collés assez hauts sur les murs, Clet et ses panneaux indicateurs détournés, les magnifiques portraits colorés de 18eme Designe, les Labyrinthes de Kelkun, les stikers mi animaux mi machines de ARDIF et peut être même,  Milo Project et son mannequin au pull rouge perché sur le mobilier urbain. Il y a aussi les très beaux portraits en noir et blanc et fleuri de Aydar, les grands stickers d’ Olivia Paroldi, les pochoirs d'Eugène Barricade, les miroirs de Kefran, les diamants... du diamantaire, les cœur amoureux de Inlovestreetart, les fresques de Juliette B'art, etc. 

Les cœurs amoureux de In Love Street Art 

Dans l'art du pochoir et du collage, il est souvent difficile de se faire un nom et une place ! Mais je suis certain que vous connaissez déjà la gueule de Raoul, et les œuvres de mes coups de cœur que sont : Imp'Artial, Karla Sutra, Lisa Napoly, les petits mots de Singular Vintage, Misnucitas ou les très belles Histoires doubles de Nora Simon et les bons mots écrits à la craie sur le trottoir de Claudie alias Achbé, ou de La Dactylo encore  Loriot the house

@Lisa.Napoly	@kelkun	multiples auteurs
@singularvintage	@singularvintage	collab' avec @eugènebarricade
@oliviaparoldi ?	@histoiresdoubles	@misnucitas et Raoul

@misnucitas, @impartial et @Karlasutra

Il a aussi quelques belles sculptures et quelques vestiges des masques colorés de Gregos, victimes de leur succès. Gregos, c'est Gregory un des nombreux artistes de rue qui habite à Montmartre. Et puis il y a partout de nombreux collages cohabitant avec des grafs et tags plus ou moins heureux.

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Ma démarche créative en photographie d'art urbain

Vous connaissez ma passion pour la photographie de rue et le street art. Chaque jeudi, je publie sur mes réseaux mes dernières créations qui mêlent ces deux passions. Sans pratiquer vous-même le street art, vous pouvez facilement faire de la photographie des œuvres de street art, mais connaissez-vous la différence en l'art et la photographie d'art ? Bref, je vais profiter de la publication d’une nouvelle série à mi-chemin entre l’art de rue ou l’art contemporain pour revenir un peu plus longuement sur ma démarche artistique et photographique dans ce domaine De la définition du Street Art à l’intention artistique, en passant par un peu de droit, je vous livre mes réflexions sur cette pratique enrichissante… culturellement parlant.

Série noire 1, mix graph et décollage d'affiches sur panneaux bois.

La notion de Street Art fait référence à toutes sortes d’œuvres graphiques que l’on peut apercevoir dans les rues de nos villes. La nature même de ces œuvres est extrêmement variée : tags et graffitis, pochoirs de peinture, collages, stickers sculptures et mosaïques, etc. Vous connaissez d’ailleurs très certainement quelques artistes de street art célèbre comme Banksy, Miss Tic, Jo Dibona ou encore les français JR et Philippe Echaroux ( projections vidéos). En matière de photographie la question est : la photographie de ces œuvres est-elle aussi un art ? (Certains, y compris au ministère de la culture, pensent d’ailleurs que la photographie n’est pas -ou plus- un art). 

Prendre une « bonne photo », c’est à la portée de chacun d’entre nous. Un simple smartphone suffira pour garder des souvenirs ou partager un instant… Du coup, la capture d’image est devenue simplement fonctionnelle et y a perdu au passage beaucoup de sa valeur artistique. Les artistes photographes ont heureusement conservé cette quête de l’esthétique, quitte à abandonner l’aspect figuratif au profit d’images fortement artificialisées. Regarder les images d’un artiste, c’est voir à travers lui. Les photographes capturent des morceaux d’une réalité qu’ils tentent de magnifier. Leur créativité reflète les fragments de personnalité qu’ils mettent dans leurs tableaux. D’ailleurs, le travail d’un artiste est souvent reconnaissable parmi des centaines d’autres. L’artiste a sa technique, son style, son univers… Cette « patte » de l’artiste se retrouve aussi bien en peinture qu’en photographie et elle nait de ses choix. Point de vue, traitement de la lumière, des couleurs, de la netteté… bref, réglages de l’appareil et post-traitement de l’image deviennent ses outils de création ! Le photographe d’art tient littéralement entre ses mains le pouvoir de transformer la réalité ! Et certains ne se privent pas de fabriquer de toutes pièces une nouvelle réalité dans de fantastiques montages numériques. D’autres n’en conserveront que quelques fragments. Bref, dès lors qu’elle ne se limite pas à reproduire fidèlement un moment, la photographie constitue à mon sens un véritable art graphique.

Série noire n°2

Série noire n°3

Série noire n°4

Du coup, la photographie d’œuvres de street art, (et j’y inclus toutes les œuvres composées à partir du street art mais aussi de techniques comme le light painting par exemple) pour peu que le photographe ait une démarche autre que celle d’immortaliser un bout de mur peint donne aussi naissance à une œuvre d’art !

Ma démarche artistique

Dans le cadre de mon challenge photo quotidien, je croise très souvent des œuvres de street art. Mais, de la même manière que je ne partage jamais une affiche publicitaire sans la mettre en scène dans ma création photographique, j’utilise ces œuvres pour créer mes propres tableaux. Pour moi, l’intérêt de la street art photographie ne doit pas se limiter à une simple photo souvenir. Votre image doit raconter une histoire, s’intégrer dans une situation. Ce n’est pas parce que vous vous éloignez du sujet qu’il perd de son intérêt, bien au contraire. On peut jouez avec les éléments et donnez vie à une image de street art en y intégrant des objets ou des passants.  Ce n’est d’ailleurs pas toujours facile, loin de là. Et dans ma quête quotidienne avoir par hasard le bon passant au bon moment avec la bonne lumière, reste un vrai challenge. Le seul avantage, normalement, c'est que l'affiche ou le tag ne bougera pas. Enfin, c'est ce que je croyais au début. Mais en réalité, il peut être très éphémère. Je ne compte plus le nombre d'affiches que j'ai vu disparaître en moins de 8 heures !

En effet, vous le savez, je photographie énormément d’affiches publicitaires sauvages en décomposition. Et, j’avoue, je n’hésite pas à en déchirer quelques morceaux au passage. Quand une affiche commence à se déchirer, se décoller, etc. , elle peut très rapidement être recouverte. Il y a des matins, où je vois au loin un affichage qui potentiellement peut être intéressant mais qui le soir venu, à mon retour, a déjà été recouvert par d’autres affiches… C’est essentiellement ces (dé)collages ou #collageart qui constituent la base de mes œuvres de street art. 

L’idée au départ de ma démarche dans ce projet 365 est toujours la même. Mettre en évidence ou donner à voir de belles choses que l’on ne prend même pas le temps de voir. Ces tâches de rouille sur les poteaux de la gare par exemple n’ont rien à envier à certaines œuvres d’art brut. Et que penser de ces panneaux de bois occluant la vitrine d'un magasin en travaux, que j'ai photographié pendant deux ans, à chaque étape de leur recouvrement par des tags, graffitis et autres d'affiches publicitaires sauvages jusqu'à leurs nettoyages successifs ? Ne constituent-ils pas de véritables tableaux d'art moderne ? Je veux le croire. Ils constituent ma "série noire" présentée ici.

Dans les séries que je publie sur mon site ou sur les réseaux, je m’efforce de distinguer deux types de photographies. Les photographies d’illustration qui constituent un reportage sur mes pérégrinations dans la ville et où je peux reproduire des œuvres de street art en essayant de mentionner leur auteur. Pour celles-ci, je ne cherche pas à épater la galerie en exploitant les œuvres d’autres artistes et, même si mon point de vue photographique peut être artistique, il ne cherche pas à ajouter de l’art sur l’art. Bien sûr, je sais que dans ce cas, les commentaires sur Facebook ou Instagram, du type "Superbe !" "Magnifique !" ou quelquefois "Génial !" ne concernent pas mes images mais les œuvres qui y sont représentées.  Ces publications ne visent qu'à faire connaître les artistes et leurs travaux.

Pour mes autres images, il s’agit de créations originales. Elles utilisent certes parfois des œuvres existantes mais profondément revisitées. Je recycle, j’upcyle, j'upgrade…bref, je suis dans l’air du temps en faisant de l’art contemporain à partir d’éléments abandonnés. Je fais du développement (personnel) durable avec de l’éphémère. Là, oui, je fais de l'art avec l'art. Mais surtout, je vois aussi des œuvres d’art urbain, là où il n’y avait de volonté artistique au départ ! Car oui, comme Monsieur Jourdain, vous faisiez de l’art, par hasard, sans que vous n’en sussiez rien, simplement parce que ces affiches que vous avez taguées et décollées, éphémères publicités, sont devenues la matière première de mes créations. C'est le cas de la série présentée ici.

Série noire n°5	Série noire n°6	Série noire  n°7
Série noire n°8	Série noire n°9	Série noire n°10
Série noire n°11	Série noire n°12	Série noire n°13

Bref, je me livre toujours à un important travail de post-traitement (qui me prend beaucoup plus de temps que la prise de vue elle-même). Ce travail est indispensable, non seulement pour mettre en valeur et redonner tout son éclat à l’œuvre originale mais aussi pour y apporter ma propre patte artistique. 

Juridiquement, c’est d’ailleurs une étape indispensable pour revendiquer la propriété intellectuelle d’une œuvre qui sera considérée comme originale et non comme une simple reproduction. Commercialement, j’exploite aussi parfois certaines collab’ un terme à la mode sur les réseaux qui fait référence à une double paternité d’une œuvre dont une partie est réalisée par un autre artiste.

Si le graffiti est un art de l’éphémère, la photographie, elle, inscrit l’œuvre dans la durée. 

En dehors d’une poignée d’artistes renommés qui parvient à négocier des emplacements tels que les façades d’un immeuble ou la devanture d’un magasin contre rémunération, dans leur grande majorité, les artistes de street art affichent directement sur les murs leur message au public. Et dans le public, il y a des photographes qui n’hésitent pas à tirer profit de la vente de leurs images de graffitis. 

Diffuser ce type de clichés pose donc une question d’ordre morale. Ai-je le droit de tirer un bénéfice d’une œuvre d’un autre artiste qui plus est sans son autorisation ? Je vous laisse le soin d’apporter d’y réfléchir mais je peux déjà vous rappeler que le droit de la propriété intellectuelle stipule que "L’auteur jouit du droit exclusif d’autoriser ou d’interdire la reproduction de son œuvre." Et, là, un tag, un graffiti ou un pochoir, c’est incontestablement une œuvre. Qu’elle soit belle ou non ! D’ailleurs, elle est souvent signée cette création. 

Donc, il est contraire à la loi de vendre une reproduction photographique de cette œuvre sans en demander l’autorisation à son auteur. Le problème, c’est que bien évidemment ces œuvres souvent magnifiques ont été réalisées illégalement et constituent une dégradation avérée du bien sur lesquelles elles reposent. En effet, l’affichage sauvage, les tags et graffitis sont des pratiques généralement interdites. Si, les artistes transgressent avec gourmandise les lois pour afficher leur travail, ils n’apprécient pas forcément que d’autres l’exploitent ! Vous pouvez légitimement penser qu’un artiste ne voudra pas vous attaquer devant des tribunaux s’il risque lui-même une grosse amende mais c’est risqué et surtout, pas très fair play... Alors, oui, contacter l’artiste qui se cache sous un pseudo, n’est pas forcément une chose aisée. Bah, voui, quand on fait de l’affichage sauvage, on laisse rarement ses coordonnées téléphoniques au bas de l’œuvre ! Mais, bon, en farfouillant un peu sur les réseaux sociaux avec les # et signatures, on finit souvent par trouver.

Série noire n°14, mix graph et décollage d'affiches sur panneaux bois.

Bref, un auteur reste un auteur, même s’il n’est pas facilement reconnaissable. Et le fait que l’œuvre soit publiquement et gratuitement exposée ne change rien à l’affaire. Il est donc strictement interdit de vendre une photographie de graffiti ou de la reproduire dans un livre commercial sans autorisation de l’auteur. Idem si on utilise des graffitis comme décor d’un tournage de vidéo ou d’un shooting de mode.

Et n’allez pas non plus faire des photographies des toiles des peintres et graffeurs qui qui exposent dans une galerie ou un musée. Normal, un photographe pourrait en réaliser de grands tirages du plus bel effet dans le salon d’un de ses clients, ce qui serait naturellement un manque à gagner pour l’artiste. Par exemple, MISS TIC n’autorise pas qu’on photographie ses œuvres plein cadre. Il est aussi important, quand vous photographiez un graffeur à l’œuvre de bien lui préciser ce que vous allez faire de l’image. Enfin, depuis quelques années, certains font le commercent d’œuvres d’artistes célèbres quitte à découper un pan de mur au marteau piqueur !

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My Tribute to Serge Gainsbourg

Serge sous le regard de Jane

F*** ! Trente ans déjà qu'il est parti. En effet, le 2 mars 1991, Serge Gainsbourg nous quittait à l'âge de 62 ans. Si Serge est célèbre pour sa carrière d'auteur, compositeur, interprète et ses multiples provocations et autres dérapages télévisuels, saviez-vous qu'il aspirait plutôt à devenir un peintre reconnu ? A l'heure où les expositions hommages se multiplient, je voulais revenir un peu sur cet aspect souvent négligé de sa vie. 

L'occasion de vous (re)présenter quelques unes de mes créations de #streetart dédiées à Serge. Celles-ci sont composées à partir des tags, collages et affiches photographiées sur le mur de sa maison puis assemblées numériquement. Elles sont disponibles en tirage d'art limité à 30 exemplaires selon les conditions habituelles.

Le renoncement du peintre 

Dès l’âge de treize ans, le jeune Lucien Ginsburg, intègre l’Académie de peinture de Montmartre où il brille assez rapidement. Il est même jugé doué par ses professeurs, tel que l’artiste cubiste André Lhote ou Fernand Léger. Le futur Serge se consacre essentiellement aux natures mortes et scènes de la vie quotidienne. La première épouse de Gainsbourg, Élisabeth Lévitzky, qu'il avait rencontré à l'école en mars 1947 disait de lui que : « c’était un dieu. Il était aimé, redouté, c’était le préféré de tous les professeurs et modèles. » Il complète son apprentissage en examinant longuement les toiles des maîtres exposées au Musée du Louvre. Il y recherche les solutions à ses propres problèmes de création picturale. Il s'essaye aussi à l’Académie des Beaux-Arts en architecture pendant un an. 

Lucien Ginsburg est un éclectique et ses inspirations picturales sont multiples. Il affectionne les postimpressionnistes et surtout le peintre Pierre Bonnard du mouvement nabi. Une influence que l'on retrouve dans certaines de ses peintures comme son  autoportrait en buste sur papier daté d'avant son service militaire. La position de trois quarts ressemble aux autoportraits de Pierre Bonnard mais les couleurs et les touches font penser à L’Autoportrait de Henri Matisse (1906). 

Mais il ne reste que très peu de toiles signées Lucien Ginsburg et celles-ci restent cachées au regard du public. En effet, lorsqu'il renonce à sa passion en 1958 il brûle la plupart de ses créations. La raison de cet abandon ? Un profond manque de confiance en lui et en son travail. Ambitieux, Serge souhaitait atteindre la renommée d'un Gustave Courbet mais il sent bien que cela ne vient pas. Certains de ses camarades de l’académie disent d'ailleurs qu'il manquait d’originalité, trop emprisonné dans une volonté de faire aussi bien que les peintres qu’il admirait. Serge avait si peur de ne pas réussir qu'il a renoncé à une exposition dans la galerie de Pierre Loeb à Paris. Selon Élisabeth Lévitzky, « Lulu a décommandé parce qu’il a eu peur. Il s’est totalement effondré de peur. » La seconde raison est sans doute lié au fait qu'il déteste l’art abstrait très en vogue à cette époque et c'est d'ailleurs en sortant d’une prestation et d’une vente aux enchères d’une œuvre d’Yves Klein qu'il abandonne définitivement ses ambitions d'artiste peintre à l’âge de trente ans. 

De Ginsburg à Gainsbard Couleur

Sous le regard de Serge Couleur

Serge le photographe Couleur

Outre la peinture, Serge était aussi, un excellent photographe et l'on se souviendra des clichés de lui ou Jane portant leur gros Nikon F avec batterie. Outre ses chansons, il rédige un conte parabolique intitulé Evguénie Sokolov. Un conte qui le met en scène dans ses études artistiques puis en peintre contestataire et iconique, devenant célèbre malgré sa différence singulière avec le monde qui l’entoure. 

Collectionneur d’art averti, Serge Gainsbourg se retranche rue de Verneuil, qu’il transforme en véritable musée présentant une large collection d’objets de toutes provenances. On y trouve la célèbre statue L’Homme à tête de chou de Claude Lalanne, une multitude d’enseignes de police et des dessins de maîtres (notamment La Chasse aux papillons de Salvador Dalí) ou les  Mauvaises nouvelles des étoiles du peintre Paul Klee. Des œuvres dont les titres ont inspiré ses albums. 

Cette maison, confiait Jane Birkin en interview, lui apporte une rigueur esthétique qui contrebalançait ses états d’âme. Serge Gainsbourg y place tout selon ses propres règles, chaque objet trouve sa place (selon les couleurs et les objets environnants) et ne doit plus en bouger ce dont sa première épouse témoigne : « Il vivait à l’intérieur d’un lacis de renvoie de quelque chose à l’autre. Si quelqu’un déplaçait un objet, ça le rendait malade. » 

Bref, Serge était un artiste accompli et névrosé.  Les artistes d'aujourd'hui lui rendent hommage à travers diverses expositions que je vous invite à aller voir. Vous y retrouver plusieurs de mes amis du streetart comme Jo Di Bona dont j'avais publié quelques œuvres l'an dernier ou Carole B avec qui j'ai eu la chance d'exposer à Photo Bleau.

Serge sous le regard de Jane noir et blanc

Sous le regard de Serge Noir et blanc

De Ginsburg à Gainsbard noir et blanc

2 expositions à voir d'urgence à Paris :

1° L'exposition "Gainsbourg, et caetera..." est à découvrir, les samedis et dimanches, du 27 février au 30 avril 2021 au Marché Dauphine des Puces de Saint-Ouen à la galerie One Toutou (à retrouver au stand 122). Et c'est gratuit ! Plus d'une trentaine d'artistes pratiquant diverses disciplines (peinture, pochoir, illustration, dessin, photographie...), célébrent la mémoire de Serge Gainsbourg. Le photographe Pierre Terrasson, qui a immortalisé la scène rock pendant les années 80, partage des clichés de Serge certains mythiques, d'autres plus personnels. Des photos réinterprétées par YARPS en version street art. 

2 ° Gainsbourg Toujours, l'exposition photographique de la Galerie Hegoa  au 16, rue de Beaune 75007 PARIS du 27 février au 15 mai 2021 les mardi, mercredi, jeudi, vendredi, samedi de 11h à 17h30
C’est dans ce quartier du 7ème arrondissement où il vécut pendant 22 ans, notamment avec Jane Birkin que la galerie HEGOA rend hommage à son illustre voisin au travers d'images incontournables de 15 photographes et 1 dessinatrice.

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[ALBUM] Shop in ! Ma petite visite privée du Printemps Haussmann

La Tour Eiffel au lever de soleil vue depuis le Printemps Haussmann 

Il y a le shopping et mon shop in ! Vous le savez sans doute, je travaille depuis plus de vingt ans dans le très commercial quartier Haussmann pour le Groupe Printemps. Actuellement fermé en raison des mesures gouvernementales anti Covid, j’ai consacré mon #challengephotoquotidien de cette semaine à la diffusion de quelques images de ce magnifique monument historique parisien. Je profite donc de l’occasion pour diffuser ici quelques-unes des très nombreuses images que j’ai pu prendre au Printemps comme l’ont fait avant moi de très célèbres photographes. 

Une histoire de la société à travers la photographie

Je ne sais pas si vous le saviez, mais l’univers des grands magasins constitue pour de nombreuses raisons un formidable sujet pour les photographes du monde entier. Ainsi, au fil des ans, les photographes de la célèbre agence Magnum ont capturé et documenté la vie de ces grands magasins sous de nombreux angles allant des clientes glamour des années 50 aux bâtiments eux-mêmes. Citons parmi eux Henri Cartier-Bresson et ses images du grand magasin d'État de Moscou, Univervag, les photographies de Werner Bischof, réalisées pour documenter l'influence américaine dans le Japon d'après-guerre, ou les nombreuses images de Richard Kalvar réalisées dans les magasins du monde entier, et qui jouent souvent avec les interactions entre le vivant et l’inanimé. Si ces photographes ont largement photographié l’architecture de ces magasins et leur agitation commerciale à l’occasion des soldes ou des fêtes de Noël, ils ont aussi parfois saisi ce qui se cache derrière les portes verrouillées. Ainsi, en 1936, le célèbre Robert Capa a immortalisé des employés des Galeries Lafayette jouant aux cartes sur le toit de l'immeuble lors d'une grève de sit-in. 

J'aime jouer avec les reflets du mobiliers du Printemps

Je prends assez peu de photographies de l'activité commerciale du Printemps et de ses clients ou employés. Je m'aperçois du coup que c'est une erreur qu'il me faudra vite réparer. En revanche, j'y ai beaucoup joué avec les reflets et les lumières ou les décorations éphémères et féériques notamment dans la nouvelle trémie centrale du magasin de la mode.  La fleur est un élément caractéristique du Printemps et on la retrouve partout ! Alors quand elle tombe de 15 mètres en pluie rosée, c'est magique.

Vous qui me suivez depuis plusieurs années connaissez forcément ma série #Lèchevitrines. Vous avez aussi sans doute vu, quelques unes de mes images prises depuis le terrasses du Printemps qui offrent une vue exceptionnelle sur les monuments les plus emblématiques de la capitale. En attendant la réouverture du magasin, et pour satisfaire cette envie irrépressible de regarder les boutiques dans des lunettes de soleil surdimensionnées et vêtue d'une robe noire Givenchy comme Audrey Hepburn au début de Breakfast of Tiffany’s, voici une petite sélection de mes images consacrées à ce magnifique Grand Magasin parisien qu’est le Printemps.

Un formidable patrimoine historique sans cesse revisité

L'histoire du Printemps Haussmann a débuté il y a plus de 150 ans (le 11 mai 1865 exactement) et est jalonnée de très nombreuses innovations commerciales mais aussi architecturales. Saviez-vous par exemple que sa célèbre coupole bleue Art Déco aux décors floraux et composée de 3 185 panneaux de verre a été entièrement démontée en 1939 pour ne reprendre sa place qu’en 1972 ?

L'immense coupole bleue art-déco du Printemps est comme
le voile de cette vielle dame de plus de 150 ans

Aux éléments anciens souvent classés, s’ajoutent de superbes créations modernes. Il y a une dizaine d’année le Printemps Haussmann dévoilait son nouvel univers Luxe et Accessoires. Imaginé par le duo d'architectes américano-canadien Yabu Pushelberg, l’espace est dominé par les contrastes noir et blanc et souligné par l’omniprésence du chrome qui rappelle les anciennes vitrines à l’époque de l’ouverture du magasin. On peut y admirer le travail remarquable autour de la trémie centrale d’une hauteur de 15 m mise en valeur par les compositions aériennes de Pascale Girardin ainsi que de la sculpture monumentale signée Swada Hirotoshi.

 

Au-delà des lustres et autres luminaires, des statues, des mosaïques, la circulation verticale des grands magasins Printemps est assurée par des escalators qui structure les espaces. Après la rénovation complète des façades historiques et toitures, le Printemps de l’Homme a pris la place du Printemps de la Maison sur le boulevard avec pour fil conducteur entre les 6 étages une véritable voile centrale, qui reprend et réinterprète les fleurs emblématiques de l’enseigne. Cette voile sert de point de circulation centrale puisqu’elle permet d’accéder aux escalators desservant l’ensemble des étages… Au-delà du 6ème étage, vous débarquez au Printemps du Goût dont les décors, là aussi, empruntent de nombreux éléments à l’architecture historique du magasin dont les fleurs et la mosaïque caractéristiques. A partir de là, la vue sur les toits de Paris est l'une des plus belles et étendue car aucun bâtiment ne viendra se dresser devant, la Tour Eiffel, l'Arc de Triomphe, l'Opéra, la verrière du Grand Palais, le Sacré Cœur, la Madelaine, etc.

Autres éléments indissociables de l'histoire du Printemps, ses rotondes dont les escaliers sont les derniers témoins d'une autre architecture des grands magasins. 

Les anciens escaliers des rotondes du Printemps ne servent plus aujourd'hui à la circulation.

Et dans les coulisses ?

Le Printemps, c'est aussi pour moi, un formidable laboratoire pour expérimenter d'autres pistes artistiques de la photographie. Et les coulisses d'un grand magasin regorgent de couloirs et locaux techniques propres aux arts graphiques et à l'urbex. 

On y croise d'étranges personnages, parfois inquiétants... 

Durant sa fermeture, le Printemps poursuit ses transformations et vous pourrez bientôt y découvrir deux nouveaux espaces qui feront date dans l’histoire des grands magasins parisiens  ! D’ailleurs, en parlant d’histoire, retrouvez les grandes dates de celle du Printemps dans cette article https://www.groupe-printemps.com/histoire et celle de la photographie dans les grands magasins par les photographes de l’agence Magnum évoquée plus haut dans cet article En espérant pouvoir rapidement vous croiser dans les allées de ce magnifique magasin, véritable joyaux du patrimoine historique de Paris.

Le Printemps est actuellement fermé et nos mannequins vous attendent...

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